パビリオン・トウキョウ2021

「生きている東京」を — いつの頃からか、東京では再開発という大きなエリア改造が多数進行している。どこも、便利でクリーンで見違えるように変身し、私たちはそこでたくさんの恩恵をうけ、豊かな生活を満喫している。一方、区立青山小学校出身の私には、かつて青山通りを偉そうに走っていた都電、その車庫のあった旧「こどもの城」辺りの空虚なほど広い空、渋谷駅では戦後の悲しみに遭遇し怖かった記憶が残っている。街にはそんな心に残るシーンが必ず仕込まれていた。実は今回の「パビリオン・トウキョウ2021」という企画は、そんな都市の物語を新たに作ることを目指している。コロナ禍により世界が大きく変化しようとしている2021年、夏。その年に、存在し得ない不思議なパビリオンが東京の街に出没したという事、それが多くの人の心の中に少しだけでも届いたなら、この企画は大成功です。開催中の67日間、そんな「生きている東京」を実感してください。（パビリオン・トウキョウ2021実行委員長　和多利恵津子）
Living Tokyo – Since some time ago, Tokyo has been undergoing a number of major area remodeling projects called redevelopment. Everywhere has been transformed into something convenient and clean, and we are receiving many benefits and enjoying a rich life there. On the other hand, as a graduate of Shibuya Aoyama Elementary School, I still have memories of Toden (Tokyo streetcar train) that used to run along Aoyama street proudly, the empty wide sky around the former ”Kodomo no Shiro (Childrenʼs Castle)” where the Toden garage used to be, and the frightening memories of post-war sadness around Shibuya station. The city always had such memorable scenes in it. In fact, this project, PAVILION TOKYO 2021, aims to create a new story of the city. It is the summer 2021, a year in which the world is changing dramatically under the pandemic. In that year, the mysterious pavilions that could not possibly exist will appear in the city of Tokyo, and if the scenes shall reach even a small part of the minds of many people, this project will be a great success. During the 67 days of the exhibition, we hope you will experience the “living Tokyo.” (Etsuko Watari: Chairman of Executive Committee of Pavilion Tokyo 2021)

「やっぱり私は高いのが好きです。茶室自体が周りからよく見え、そこからさらに競技場を見る。お茶室というのは別世界性が必要なんですよ。地上にあるより、やっぱり高さが必要で、高いところに登って、狭くて暗いにじり口から上がっていくと、景色が違って見える。この効果は茶室ならではのものですよ。」（藤森照信）

藤森照信（1946年～）は自然と一体となった建築を作り続けており、この茶室「五庵」では基壇を芝が覆っています。上部の外壁に用いられている焼杉は、杉材の表面を焼いて炭化させたもので、表面の炭化層が板の劣化を防ぎ耐火性を高くします。1階の待合に入り、梯子で2階の茶室に上がると、大きな窓から新国立競技場が見えます。梯子は「にじり口」の再解釈で、暗くて狭い場所を通り、茶室という別世界に移動させる機能を持ちます。歴史家としての膨大な知識に裏付けされた「どこにもない」建築が藤森作品の魅力です。
藤森照信は、日本を代表する建築史家であるとともに、45歳で建築家としてデビューした異色の存在です。代表作に「ラ コリーナ近江八幡」の「草屋根」、「銅屋根」、「多治見市モザイクタイルミュージアム」などがあります。新国立競技場の斜向かいに建つ茶室「五庵」は、これまで藤森が数多く作ってきた茶室の最新作です。

“After all, I like heights. Not only can you see the entire tea house well, but from there you can also view the stadium. A tea house requires otherworldly characteristics. Instead of it just standing on the ground, it requires height. Once you climb up and enter through the narrow and dark crawl-in entrance, you see a completely different scenery. This effect is unique to tea houses”（Terunobu Fujimori）

Terunobu Fujimori（1946- ）has been creating architectural works integrated with nature. The base of the Tea House “Go-an” is covered in grass. The charred cedar（yakisugi）used for the upper exterior walls, are made by burning and carbonizing the surface of cedar wood. The char layer on the surface of the wooden boards protects them from deterioration and enhances fire resistance. After entering the waiting room on the ground floor and taking the ladder to the tea room upstairs, you can view the new Japan National Stadium out of the large window. Fujimori, not only is Japanʼs leading architectural historian, but a maverick figure who made his late debut as an architect at the age of 45. His representative works include “Kusayane（Grass roof）” and “Douyane（Copper roof）” in La Collina Omi-Hachiman, and “Mosaic Tile Museum Tajimi”. The Tea House “Go-an” which stands just opposite of the Japan National Stadium is the latest of many of the tea houses that he has created.

「浜離宮は水とともにある庭園と言えると思います。その風景に現代を表すような水を足してみたいと考えました。曲水は、遠くから見ると留まっているように見えます。でも、近づいて見ると静かに流れていることに気づきます。このゆっくりとした水は、過去、現在、未来のつながりを表しています。」（妹島和世）

妹島和世（1956年～）がこだわったのは、歴史と現代を同時に感じられる場所にパビリオンをつくることでした。浜離宮恩賜庭園は、潮入の池（海水を導き潮の満ち引きによって池の趣を変える池）とふたつの鴨場をもつ江戸時代の代表的な大名庭園です。妹島は汐留の高層ビル群を背に広がるこの伝統的な庭園を「歴史と現代という東京のふたつの側面にふれることができる場所だ」と確信し、多様な水場をもつ庭園に合わせて、曲水（平安時代の庭園にあった水路）をイメージしたパビリオンを設計しました。鏡面の水路に浅く張られた水は、空や周囲の風景を映してきらきらと輝きます。設置されたのは明治初期に整備された迎賓館「延遼館」があった場所です。タイトルの「水明」は、澄んだ水が日や月の光で美しく輝く様子を示す言葉です。東京のこれまでを映しながらも常に変わり続ける水面から、清らかな未来を想像できるように、という期待が込められています。
妹島和世は建築内外の関係をつなげ、様々な人がそれぞれの時間を過ごせる公園のような空間を設計し続けている、日本を代表する建築家です。代表作に、「金沢21世紀美術館」、「ルーヴル・ランス」（SANAAとして）、「すみだ北斎美術館」などがあります。

“It can be said that Hama-rikyu is a garden that coexists with water. I thought about adding water into that scenery, to depict modern society. The winding stream looks as if it is still when viewed from a distance. But when you look at it closely, you realize that it is flowing quietly. This slowly flowing water represents the connection between the past, present and future.” (Kazuyo Sejima)

Kazuyo Sejima (1956-) was particular about creating a pavilion somewhere where you could sense both history and modernity at the same time. The Hama-rikyu Gardens is a representative Daimyo Teien (feudal lordʼs garden) of the Edo Period, with a tidal pond (a type of pond formed with seawater that changes its shape depending on the rise and fall of the tide) and two duck hunting sites. Sejima was convinced that this traditionally styled garden which stands in stark contrast to the skyscrapers of the neighboring Shiodome district is “a place where you can access both historical and modern aspects of Tokyo”. She created a pavilion inspired by a winding stream (a type of waterway built in gardens of the Heian Period), to match the various waterways that are in the Hama-rikyu Gardens. The shallow water filled inside the waterways created using mirror surfaces, glitters as it reflects the sky and surrounding scenery. The pavilion is installed on the former site of the “Enryokan” State Guesthouse of the Meiji Period. The title “Suimei'' is a word that describes how clear water shines beautifully under the light of the sun and moon. It has been named with the hope of imagining a bright future from the ever-changing water surface, which at the same time reflects the history of Tokyo. 

Sejima is Japanʼs leading architect who creates connections between the interior and the exterior, and designs park-like spaces where all kinds of people can spend quality time. Her representative works include “21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa”, “Louvre Lens” (as projects by SANAA) and “The Sumida Hokusai Museum”.

「外観があるが壁はなく、しかし内部空間は存在する。しかもその空間は三次元的に非常に複雑でダイナミック。建築では絶対に実現できない、しかし建築的な何かがあるように感じさせる存在が雲なのです。」（藤本壮介）

藤本壮介（1971年～）が設計したのは、雲の形をしたパビリオンです。藤本にとって雲は憧れのような存在だと言い、「とてつもなく大きく、さまざまなものをすべて包み込んでしまう究極の建築」と感じるとも語っています。世界中の様々な国や地域や状況の上に浮かぶ「世界の大屋根」のような存在である雲にインスピレーションを受けて、「全ての人のための場所」というコンセプトのもと、多様性と寛容性を象徴する場所として考案しました。このパビリオンは代々木公園と高輪ゲートウェイ駅という、自然の中と最新の駅舎という全く異なる2箇所に設置されています。同じものが異なる場所に設置されることで、様々な場所を包む雲というコンセプトを伝えるとともに、それぞれの場所の違いが見えてくることを狙っています。

藤本壮介は、自身が「原初的な未来の建築」と表現する建築・都市・風景を生み出し、世界中から注目を集めている建築家です。主な作品に「武蔵野美術大学美術館・図書館」、ロンドンの「サーペンタイン・ギャラリー・パビリオン2013」、フランス モンペリエの「LʼArbre Blanc」、最新作「白井屋ホテル」など。2025年日本国際博覧会（大阪・関西万博）の会場デザインプロデューサーを務めています。

“It has an exterior but doesn't have walls, yet an inner space exists. Moreover, the three-dimensional inner space is extremely complex and dynamic. Clouds cannot be realized with architecture, yet they make us feel like there is something architectural to them.” (Sou Fujimoto)

Sou Fujimoto (1971-) designed a cloud-shaped pavilion. He expresses his admiration for clouds, and his belief that they are “the ultimate architecture that envelopes all kinds of things for its immense size”. Inspired by clouds that float over various countries, regions and environments, as if they were a “big roof of the world”, he designed the pavilion under the concept “a place for everyone”, to symbolize diversity and tolerance. This pavilion is installed at two completely dierent locations, Yoyogi Park and Takanawa Gateway Station - a park and a recently built train station building. By placing the exact same thing in different locations.

Fujimoto not only aims at visualizing the differences of each location, but to express the concept of a cloud enveloping various places at the same time. Representative works include “Musashino Art University Museum & Library”, “Serpentine Gallery Pavilion 2013” in London, “LʼArbre Blanc” in Montpellier, France, and his latest work “Shiroiya Hotel”. Fujimoto is also the Expo Site Design Producer of the Japan Association for the 2025 World Exposition (Expo 2025 Osaka, Kansai, Japan).

「最近、僕たちが設計するような建築は、無味乾燥の現実にプスッと突き刺さる「異次元」にならなければならないとも考えたりしますね。」（平田晃久）

平田晃久（1971年～）が設計したこのお椀のような形のパビリオンは、通り抜けたり座ったりすることができます。様々な人たちが通り抜けることのできる、孔だらけのパビリオンは、内外の境界をほどきつつ結ぶ、反転する幾何学でできています。つまり、都市の中に小さな閉域をつくりながら、同時に外側とつながるのです。国連大学前の敷地は、隣接する公開空地と湾曲する青山通りがつくり出す、都市の巨大なボイドが感じられる場所です。このパビリオンは観測装置のように、このボイドのへそのような位置に置かれます。木材を三次元カットして組み合わせる、日本の最新技術を生かした建築が、力強い物質感と工芸品のような緊張感を持って立ち上がり、都市の中に様々な文脈を引き寄せる、孔のような場所が生まれるでしょう。また、この設置場所は、パビリオンのもつ「多様なものが共存する」というテーマとも共通します。

平田晃久は建築を「生成する生命活動の一部」と捉え、生物や植物などの生態学の原理を設計に取り込んでいます。蝶々が花々の間を飛ぶように、隙間が重なり合って生まれる多様な領域を「からまりしろ」と呼び、そのような建築を作ることを目指しています。主な作品に「Bloomberg Pavilion」、「Tree-ness House」、「太田市美術館・図書館」など。

“These days, I think that the architecture we design should embody a “different dimension” which pierces through the mediocre reality”. (Akihisa Hirata)

The bowl-like structured pavilion by Akihisa Hirata (1971-), allow people to walk through it and even sit on it, is constructed using twisted geometry which loosens and strengthens the boundaries between the inner and outer space at the same time. In other words, while forming a small closed area in the city, at the same time it connects with the outer world. The premises of the United Nations University is the place where you can feel the huge void in the city, which is created from the neighbouring public open space and the curve of Aoyama Street. This pavilion is placed in the center of this void, as if it were an observational facility. This architectural work created by assembling wood which has been cut using the latest Japanese three-dimensional cutting technology, stands with both a strong sense of materiality and something resembling the fineness of a craftwork. A hole-like space bringing various contexts in the city will be realized.

Hirata regards architecture as “a part of our generative vital activities”, and incorporates principles of ecology into his designs. He uses a unique keyword karamarishiro (potential (shiro) for something to tangle (karamari)) to express the diverse areas formed from multiple overlaps of space, like the butterfliesʼ movement from one flower to the other. Hirata aims to translate this concept into architecture. Major works include “Bloomberg Pavilion”, “Tree-ness House”, and “Art Museum & Library, Ota”.

「九段下に昭和２年、実業家の山口萬吉によって建てられた古い邸宅がある。設計には東京タワーの構造計画をおこなった内藤多仲も関わっている。この邸宅の美しく古い庭に2021の夏期限定で、日差しを柔らかく遮る日除けを計画する。
新しく計画される日除けが、歴史ある風景に溶け込むように、新築であるにも関わらず、はじめから古さを含み持つようにと考えた。具体的には、木造の柱と屋根を庭いっぱいに計画し、その構造体を焼き杉の技術を用いて焼いていく。様々に火力を調整しながら、杉の表面を炭化させ、場所によっては構造体そのものを焼き切る。庭に広がる木の構造体が、既存の庭に生い茂る老木を避けるように、焼かれながらしなやかに形状が整えられていく。炎で炭化した真っ黒の構造体は、廃墟のような趣もある。新築から廃墟の状態に、瞬時に駆け抜け変化したようでもあり、建築が経年によって得られる移り変わりを一気に獲得したかのようだ。昭和初期の時代にはまだ存在していなかった周りの高層建築を黒い構造体が覆い隠し、構造体に開けられた無数の穴からの無数の光の粒が、樹木からの木漏れ日と混ざり合う。樹木の間から覗く現代の風景は消え去り、夏の強い日差しは和らぎ、訪れる人々はこの庭のなかに流れる古い時間とともに過ごす。真っ黒の構造体は、夏の午後に老木の間を漂う涼し気な影である。」（石上純也）

“There is an old residence in Kudanshita, which was built in 1927 (the second year of the Showa Period) by Mankichi Yamaguchi, a wealthy businessman. Architects including Tachu Naito, who designed the Tokyo Tower, were involved in its construction. In the old but beautiful garden of this residence, I built a canopy that gently shields us from the sunlight, which will be present only this summer.
In order for the newly built canopy to blend in with the historical scenery, I thought of giving it an aged look from the beginning. Specifically, I plan to fill the garden with wooden pillars and roofs, which have been burnt using the Yakisugi technique (traditional Japanese method of wood preservation by slightly charring the surface of cedar wood). By adjusting the fire heat, the surface of the cedar wood is carbonized, and some parts of the wooden structure are burned away. The wooden structure that spreads widely across the garden is burnt to form its flexible shape, so that it can be placed to avoid the existing old trees growing thickly in the garden. The carbonized jet-black wooden structure has a similar appearance to an abandoned house too. It looks as if it transformed from a new building to a ruined house, and underwent the transition of a building due to aging in an instant. The black wooden structure covers and hides the surrounding skyscrapers which were non-existent in the early Showa period, and the countless beams of light that pour through the holes in the structure blend with the sunshine filtering through foliage. As the modern scenery that peeps through the trees disappears and the strong sunshine of the summer softens, visitors share the same ancient time that flows within the garden. The jet-black structure is the cool shadow that drifts in between the old trees on a summerʼs evening.” (Junya Ishigami)

「植木は、東京という都市の最小スケールの秩序と言ってもよいかもしれません。このパビリオンを通じて、東京の植物と道にまつわる物語を提示しようと思います。」（藤原徹平）

プロジェクトがスタートした2018年当初、藤原徹平（1975年～）は、演劇のルーツとしての道の歴史に着目し、「劇場のような道」というテーマでパビリオンを設計・構想していました。しかし、新型コロナウイルス感染症による世界の急激な変化に伴い、プランを一新させました。藤原は、江戸から脈々と受け継がれてきた園芸文化を東京のレガシーとして提示する「植物と人のための劇場」をつくることにしたのです。出来上がったパビリオンは、木組みと植物が複雑に絡み合った姿をしています。「植木梁」と名付けられた植木鉢を載せた梁は、構造体であり、植物の居場所をつくる小さな建築であり、人が都市で腰を休めるファニチャーでもあります。「植木梁」には、植木鉢が多数出演する他、野菜や雑草や花やハーブなど様々な植物が植えられています。植物と人間の応答の場、都市の習慣を育てる場として捉え、植物変化を感じていくような、出来事のデザインも多数試みます。皆さまに、様々な形で都市の小さな森づくりに参加いただければと考えています。

藤原徹平は、産業、アート、演劇など、建築の周りにある様々な事物を越境しながら思考する建築家です。主な作品は「クルックフィールズ」、「那須塩原市まちなか交流センター くるる」、「稲村の森の家」、「リボーンアートフェスティバル2017会場デザイン」など。

“We can say that gardening is the smallest scale of order in a city like Tokyo. Through this pavilion, I want to present the story of the plants and streets in Tokyo” (Teppei Fujiwara)

When the project initially started in 2018, Teppei Fujiwara (1975-) who was interested in the history of streets as the origin of theatre, was planning to design a pavilion under the theme of “a street-like theatre”. However, after reflecting on the immense changes over the past year, he saw it as an opportunity to rethink the role of how theatre can help to find a response. Fujiwara decided to create “a theatre for plants and people” where the gardening culture inherited from the Edo Period is presented as a continuous legacy of our relationship with the natural world. The completed pavilion is made of an open wooden framework, designed to enable plants to grow entangled with the people and culture of the city. The “plant beam” is a structural beam that also plays home to a diverse collection of vegetation. A small architectural element that creates a place for plants to belong, which can also be used as furniture for people to sit on and rest. This pavilion is a story of how plants and people come together in Tokyo. A new kind of garden within the city where people can experience the growth and evolution of vegetation. We hope that you can participate in some of the activities on oer and join in this longstanding urban culture of making gardens in Tokyo.

Fujiwara is an architect who develops deep thinking within and between various themes relevant to architecture such as industry, contemporary art and performing arts. His representative works include “KURKKU FIELDS”, “Nasushiobara Community Center Kururu”, “Inamura House and Gardens” and venue design of “Reborn-Art Festival 2017”.

「強調したいのは恒久性とは真逆の仮設性、頼りなさ、ヘナチョコさ─しかしそれに頑張って耐えている健気な姿である。どうなるか、やってみなければわからない。一か八か作ってみる。それを現在の日本─東京に捧げたい。」（会田誠）

会田誠（1965年～）はダンボールとブルーシートでできた2つの城を作りました。ダンボールとブルーシートは、非常に廉価であるにもかかわらず堅牢性を備えた頼もしい素材で、恒久性ではなく仮設性も象徴する点に、共通した特徴があり、会田は1995年から作品の素材に使用しています。このパビリオンは、このような2つの素材を使うことで、何があっても容易に挫けない人間のしなやかな強さを示しています。また重くて硬くて高額で恒久的な素材のみを使う現代彫刻などに対する批評性をはらんでいます。本作が設置されている石塁は、かつて江戸城を支えていた石垣を用いて神宮外苑造営の際に建設されたもので、関東大震災後のバラック建設の指揮官であり、小学校の鉄筋コンクリート化を推進した建築構造家・佐野利器が計画・建設したものです。その石塁の上に立つダンボールとブルーシートの城は、東京からいまだ災害の爪痕が残る各地方への「共にがんばりましょう」というメッセージとなるでしょう。また、東京にいつの日か来るかもしれない大災害への覚悟を示すものでもあります。

会田誠は、社会や歴史、現代と近代以前、西洋と東洋の境界を自由に往来し、奇想天外な対比や痛烈な批評性を提示する作風で、幅広い世代から圧倒的な支持を得ています。平面作品に限らず、彫刻、パフォーマンス、映像、小説や漫画の執筆など活動は多岐にわたり、都市に関する作品に「新宿城」（1995年）、「新宿御苑大改造計画」（2001年）、「セカンド・フロアリズム」（2018年）などがあります。

“What I want to emphasize is the opposite of permanence - temporariness, unreliableness, paltriness - as well as the bravery in trying to withstand such characteristics. Iʼll never know what the outcome will be like unless I try creating it. Sink or swim, I will try. I want to dedicate the outcome to Japan of today - or more specifically to Tokyo”.（Makoto Aida）

Makoto Aida（1965-）created two castles made out of cardboard and blue tarps. These are both reliable materials as they are durable even though they are cheap. They also share asimilar characteristic, as they both symbolize temporariness instead of permanence. Aida has been using these materials for his works since 1995. By utilizing these two materials, this pavilion becomes a representation of human beingsʼ resilience. It is also a criticism towards modern sculpture which only uses heavy, hard, expensive and long-lasting materials. The stone mound on which this pavilion is installed was built during the construction of the Meiji Jingu outer gardens, using what once used to be the stone walls supporting the Edo Castle. It was designed and constructed by architectural engineer Toshikata Sano, who led the barracks construction after the Great Kanto Earthquake and also promoted the use of reinforced concrete in primary school buildings. The cardboard and blue tarp castle standing on the stone mound is a message of encouragement - “letʼs get through this together”- from Tokyo to various regions in Japan that still suer from the damages left by disasters. It also represents a strong sense of determination to face disasters that Tokyo is likely to experience someday soon.

Aida moves freely to and from between society and history, across the borders between contemporary and pre-modern, east and west. His distinctive style featuring elements of bizarre contrast or scathing critique has earned him a sizable following amongst people of all ages. His works are not just limited to two-dimensional works, but varies across a wide range of media such as sculpture, performance arts, film, literature and manga. His works related to urbanism include “Shinjuku Castle” (1995), “Grand Plan to Alter Shinjku-Gyoen National Garden”(2001) and “2nd Floorism
”(2018).

「たとえば、身体じゅうに水玉をつける。それから、バックもすべて水玉模様にしてしまう。それがセルフ・オブリタレーション（自己消滅）。あるいは、馬に水玉をいっぱいつけて、バックも水玉にすると、馬のフォルムが消えて水玉と同化してしまう。馬の塊が永遠なものに同化していく。そうすると、私自身もオブリタレイトする。」（草間彌生『無限の網-草間彌生自伝』）、2002年

床、壁、家具、すべてが真っ白に塗られた部屋に、鑑賞者が色とりどりの丸いシールを貼っていく参加型のインスタレーションです。
会期を通して水玉で埋め尽くされ、次第に部屋が「消滅」していきます。「セルフ・オブリタレーション（自己消滅）」とは、草間彌生（1929年～）にとって1960年代からの長年のテーマです。水玉が身体や空間を覆うことで、自身の身体も他者もすべてが水玉の中に消滅していきます。

草間彌生は、現在も国内外で精力的に活動を続ける、最も重要な日本人アーティストの一人です。幼少期から幻視・幻聴を体験し、水玉や網模様をモチーフに絵画を制作し始め、1957年単身渡米、単一モチーフの強迫的な反復と増殖による自己消滅という芸術哲学を見出し、ネット・ペインティング、ソフト・スカルプチャー、鏡や電飾を使った環境彫刻やハプニングなど多様な展開を見せ、前衛芸術家としての地位を確立。芸術活動の傍ら、小説、詩集も多数発表。代表作に「無限の網」「水玉強迫」「南瓜」「わが永遠の魂」などがあります。

“For example, by covering my entire body with polka dots, and then covering the background with polka dots as well, I find self-obliteration. Or I stick polka dots all over a horse standing before a polka-dot background, and the form of the horse disappears, assimilated into the dots. The mass that is ʻhorseʼ is absorbed into something timeless. And when that happens, I too am obliterated.” (Yayoi Kusama,
“Infinity Net: The Autobiography of Yayoi Kusama”, 2002)

This is a participatory installation where visitors cover a room painted entirely white with brightly colored stickers in the shape of dots. Throughout the exhibition, the room gradually “obliterates” as it becomes covered in dots. “Self-obliteration” has been a long-standing theme for Yayoi Kusama (1929-) since the 1960s. As the polka dots cover up bodies and spaces, everything - including her own body and others - disappears into them.

She is one of the most important Japanese artists, continuing to work energetically in and outside Japan today. From a young age, she experienced visual and auditory hallucinations, and began creating net and polka-dot pattern pictures. In 1957, she went to the United States alone, and began making net paintings and soft sculptures, as well as organizing happenings and developing installations that made use of mirrors and lights, establishing herself as an avant-garde artist. Overcoming various obsessions, she discovered an artistic philosophy of self-obliteration via the obsessive repetition and multiplication of single motifs. Aside from her artistic activities, she has also published a number of novels and poems. Her representative works include “Infinity Net”, “Dots Obsession”, “Pumpkin” and “My Eternal Soul”.

「この作品では、もうひとつの東京2020を展示します。2020年春の最初の緊急事態宣言から現在までに収集した様々なデータを使用して、AIが生成する狂喜乱舞する東京の姿。本来使用されるはずだったデータや中止になったイベントに関する情報などの特徴を抽出し抽象化して文字や映像に変換し続けます。それらはディスプレイに光となって表示されますが、人々が目にすることができるのはそれらの幻影です。」（真鍋大度＋Rhizomatiks）

ライゾマティクスは、技術と表現の新しい可能性を探求し、研究開発要素の強い実験的なプロジェクトを中心に、ハード・ソフトの開発から、オペレーションまで、プロジェクトにおける全ての工程に責任を持ち、人とテクノロジーの関係について研究しながらR&Dプロジェクトや作品制作を行っています。また、外部のアーティストや研究者・科学者などとのコラボレーションワークを通じ、カッティングエッジな表現作品、研究を世の中に発表しています。

“In this work, we will exhibit a dierent TOKYO 2020. A wild and ecstatic state of Tokyo is created with Artificial Intelligence, by utilizing various data that has been collected since the first State of Emergency Declaration in the spring of 2020 up until now. Characteristics of the data which were initially supposed to be utilized and information related to events that were canceled, are continuously extracted and abstracted into text and images. Although they appear as light on display screens, one can only see its phantasms.” (Daito Manabe + Rhizomatiks)

Rhizomatiks pursues new possibilities in technology and expression and works mostly on experimental projects with a strong research and development focus. Engaged in almost all the stages of a project, from development of software and hardware to operations, they are working on R&D projects and creation, thinking about the relationship between humans and technology. Through collaboration works with artists, researchers, scientists and others, Rhizomatiks is bringing to the world cutting-edge expressions and research.

本展は「パビリオン・トウキョウ2021」をより深く知り、楽しんでもらい、多くの方に足を運んでもらうことを目指して開催します。
展示室では、クリエイター7名によるパビリオン制作時のプロセス、スケッチや図面、模型、実際に使用された素材などを展示します。またそれぞれのパビリオンのコンセプトについて自身が語る映像のほか、7名のクリエイターのこれまでの活動や作品を伝える〈特別年表〉やドキュメントや映像も展示します（映像制作：柿本ケンサク）。
会期：2021年6月19日（土）- 9月5日（日）
休館日：月曜日（8/9は開館）
開館時間：11:00-19:00
入館料：1000円
高校生以下無料／身体障害者手帳、療育手帳、精神障害者保健福祉手帳お持ちの方は無料

＊入場方法／入場制限については、「パビリオン・トウキョウ2021」公式サイト（paviliontokyo.jp）にてご確認ください。

参加クリエイター：藤森照信／妹島和世／藤本壮介／平田晃久／石上純也／藤原徹平／会田誠

会場：ワタリウム美術館 東京都渋谷区神宮前3-7-6 www.watarium.co.jp

展覧会についてのお問合せ：TEL: 03-3402-3001（ワタリウム美術館）

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“PAVILION TOKYO 2021” exhibition at WATARI-UM, The Watari Museum of Contemporary Art
This exhibition shall be held, so that many people will know PAVILION TOKYO 2021 deeper, and enjoy visiting the Festival. The process of creating the pavilions, sketches, plans, models and the materials actually used shall be shown in the exhibition space. Movies of creators talking about their pavilionʼs concept, will also be on display, along with a “special chronology table” showing their projects and works, documents, and movies produced by Kensaku Kakimoto.

June 19 – September 5, 2021
Closed on Mondays (except Aug. 9)
Open Hours: 11:00-19:00
Admission Fee: 1,000 yen
Free for those in high school or younger / Free for those who possess a physical disability

Note: Please refer to the PAVILION TOKYO 2021 ocial website (paviliontokyo.jp) for information about how to
enter and entrance restriction.

Participating Creators: Terunobu Fujimori / Kazuyo Sejima / Sou Fujimoto / Akihisa Hirata / Junya Ishigami / Teppei Fujiwara / Makoto Aida

Venue: WATARI-UM, The Watari Museum of Contemporary Art. 3-7-6, Jingumae, Shibuya-ku, Tokyo www.watarium.co.jp

Contact about the exhibition: TEL: 03-3402-3001 (WATARI-UM, The Watari Museum of Contemporary Art)